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FRANK ZAPPA- Admin
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 11/12/12, 02:56 pm
Disquito del Gordo hoy...
Yo sigo solo, nomás. No se preocupen...
Yo sigo solo, nomás. No se preocupen...
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Re: Tu disco del día
por Ituza 11/12/12, 03:24 pm
Vos dale nomás, que mientras los demás descansan (o se hacen los burros), yo te hago la segunda.
Ituza- Mensajes : 1799
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 11/12/12, 08:39 pm
Gracias por el aguante, Ituza.Ituza escribió:Vos dale nomás, que mientras los demás descansan (o se hacen los burros), yo te hago la segunda.
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 11/12/12, 09:04 pm
DE ESCUCHA IMPRESCINDIBLE CUANDO VAN CON DESCRIPCIÓN
La primera vez que escuché a Camel habrá sido por ahí de 1986. Recuerdo que un efímero amigo, de cuyo nombre ya no tengo registro en mi memoria, me colocó sus infaltables audífonos sobre la cabeza y me pidió encarecidamente que me deleitara con los sonidos que surgían de su walkman. Era tal su euforia que intenté concentrarme en aquello. Creo que le dije que me gustaba, aunque poco pude escuchar como para realmente compartir la pasión con la que él se entregaba a esta banda londinense. Creo que me prestó un par de cintas, también creo que nunca las escuché, al menos no como él quería. No me entregué a ellas como solía hacerlo, de manera natural, con los acetatos de Pink Floyd que mi padre tuvo a bien siempre dejar a la mano.
Después no volví a ver a mi amigo. Una lástima, pues era un buen tipo. Camel, asimismo, quedó enterrado. Sin embargo, hará unos cinco años, con el boom de las descargas gratuitas en internet, al internarme un poco en bosques y desiertos de rock progresivo, una de las primeras referencias que saltaron a mi encuentro fue precisamente la de esta banda con nombre de cuadrúpedo jorobado.
Conformada en 1971, Camel ha gozado, desde su formación, mucho más de prestigio que de éxito comercial. Esto originado, quizá, por la férrea competencia con sus titanes contemporáneos: Pink Floyd, Yes, King Crimson, Genesis, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, todos célebres y todos de origen británico!
Con 14 álbumes de larga duración y una gran cantidad de cambios y recambios de sus integrantes, los de Camel han ido escribiendo una etapa no sólo prolífica, pero también cualitativamente buena en la historia del rock progresivo. Mucho de esto se le debe al multiinstrumentalista Andrew Latimer, quien es el único integrante que ha permanecido ininterrumpidamente con la banda desde principios de los años setenta. Latimer es un virtuoso de la composición musical.
A través de un estupendo bagaje melódico, Camel ha adquirido un sello propio que es difícil confundir una vez que se han escuchado algunos de sus trabajos de larga duración. El disco Mirage (1974), por ejemplo, está plagado de cambios armónicos, donde los instrumentos van adquiriendo protagonismo por turnos. Me explico: si de pronto se escucha un solo de guitarra que asciende y desciende con una plasticidad virtuosa, inmediatamente después y sin previo aviso, uno puede distinguir que es ahora el órgano el que ha usurpado el plano principal en la palestra. Tal es el caso del primer track, no en vano titulado Freefall (caída libre), donde las melodías revolotean con libertad, al tiempo que Latimer las acompaña con un incisivo puntilleo vocal. Tras escuchar este torbellino de sonidos, queda la impresión de haber testificado una batalla musical; una, por supuesto, que uno no hubiese querido abandonar.
Para el segundo track, Supertwister, el cuarteto británico se ha guardado sonidos menos explícitos, acaso más misteriosos por pausados. El coqueteo jazzístico salta al oído. La batuta, en esta ocasión, la lleva la flauta. El sonido del instrumento de viento se mece alegre en los intermezzos que comparte con la batería de Andy Ward. Hacia el final de la pieza, sin embargo, la flauta de Latimer abandona su parsimonia, se vuelve saltarina y alterna piruetas con el órgano de Peter Bardens, quien figura, igualmente, como el principal compositor de este material discográfico.
El tercer track, Nimrodel/The Procession/The White Rider, consiste en una épica composición que rebasa los nueve minutos. El tríptico musical está basado, según Latimer, su propio autor, en algunos pasajes de El Señor de los Anillos. La paleta de colores, en efecto, incluye tonos azulados que tiran al gris. Comenzando el primer movimiento, Nimrodel, con sonidos urbanos que recuerdan los de un desfile con banda y trompetas, para súbitamente caer en el segundo movimiento, The Procession, mismo que infunde sensaciones mucho muy distintas. En éste, la atmósfera del primer minuto y medio es la de un paisaje solitario, quizá desértico. No obstante, una vez que uno se recuesta a disfrutar del acompasado galope del camello, el ataque instrumental de The White Rider arremete con renovada intensidad. Levantarse aquí, pues, no es sólo despertar, sino volver a la vida.
De este mismo talante es el track 4, Earthrise, donde la velocidad en el rasgueo de la guitarra, así como el incesante sincopeo en la batería, remite, por momentos, al funk más prominente.
El sonido de Lady Fantasy, quinta y última pieza del álbum, apuntala al tiempo que sumariza lo gestado en los tracks que le preceden. Se trata, nuevamente, de una pieza dividida en tres movimientos. La transferencia entre uno y otro, sin embargo, no es tan evidente como en Nimrodel… En Lady Fantasy podemos escuchar algunos de los momentos más pesados en lo que a ejecución instrumental se refiere. Pesadez que en ningún momento lidia con el virtuosismo. Guitarras de baja distorsión acompañadas por el órgano que zumba en vaivenes hipnóticos. La batería transcurre en ritmos de un rock acelerado y combatiente. El clímax se concreta en el último par de minutos, donde el ascenso progresivo llega a la cúspide. Estamos, ahora, en la cresta de la imponente duna. Esa misma montaña arenosa que trece minutos antes, al comienzo de este finísimo desplante musical, nos ilusionaba porque parecía interminable. Ahí, finalmente hay un descanso. Latimer vuelve con esa voz grave y pacífica. Sólo han pasado 37 minutos y el cuerpo parece estar listo para volver a empezar el juego favorito del que escucha a Camel: el de la ensoñación.
Sin duda, 24 años después entiendo cabalmente la pasión y la euforia de mi anónimo amigo por esta banda.
M I R A G E
[u]La primera vez que escuché a Camel habrá sido por ahí de 1986. Recuerdo que un efímero amigo, de cuyo nombre ya no tengo registro en mi memoria, me colocó sus infaltables audífonos sobre la cabeza y me pidió encarecidamente que me deleitara con los sonidos que surgían de su walkman. Era tal su euforia que intenté concentrarme en aquello. Creo que le dije que me gustaba, aunque poco pude escuchar como para realmente compartir la pasión con la que él se entregaba a esta banda londinense. Creo que me prestó un par de cintas, también creo que nunca las escuché, al menos no como él quería. No me entregué a ellas como solía hacerlo, de manera natural, con los acetatos de Pink Floyd que mi padre tuvo a bien siempre dejar a la mano.
Después no volví a ver a mi amigo. Una lástima, pues era un buen tipo. Camel, asimismo, quedó enterrado. Sin embargo, hará unos cinco años, con el boom de las descargas gratuitas en internet, al internarme un poco en bosques y desiertos de rock progresivo, una de las primeras referencias que saltaron a mi encuentro fue precisamente la de esta banda con nombre de cuadrúpedo jorobado.
Conformada en 1971, Camel ha gozado, desde su formación, mucho más de prestigio que de éxito comercial. Esto originado, quizá, por la férrea competencia con sus titanes contemporáneos: Pink Floyd, Yes, King Crimson, Genesis, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, todos célebres y todos de origen británico!
Con 14 álbumes de larga duración y una gran cantidad de cambios y recambios de sus integrantes, los de Camel han ido escribiendo una etapa no sólo prolífica, pero también cualitativamente buena en la historia del rock progresivo. Mucho de esto se le debe al multiinstrumentalista Andrew Latimer, quien es el único integrante que ha permanecido ininterrumpidamente con la banda desde principios de los años setenta. Latimer es un virtuoso de la composición musical.
A través de un estupendo bagaje melódico, Camel ha adquirido un sello propio que es difícil confundir una vez que se han escuchado algunos de sus trabajos de larga duración. El disco Mirage (1974), por ejemplo, está plagado de cambios armónicos, donde los instrumentos van adquiriendo protagonismo por turnos. Me explico: si de pronto se escucha un solo de guitarra que asciende y desciende con una plasticidad virtuosa, inmediatamente después y sin previo aviso, uno puede distinguir que es ahora el órgano el que ha usurpado el plano principal en la palestra. Tal es el caso del primer track, no en vano titulado Freefall (caída libre), donde las melodías revolotean con libertad, al tiempo que Latimer las acompaña con un incisivo puntilleo vocal. Tras escuchar este torbellino de sonidos, queda la impresión de haber testificado una batalla musical; una, por supuesto, que uno no hubiese querido abandonar.
Para el segundo track, Supertwister, el cuarteto británico se ha guardado sonidos menos explícitos, acaso más misteriosos por pausados. El coqueteo jazzístico salta al oído. La batuta, en esta ocasión, la lleva la flauta. El sonido del instrumento de viento se mece alegre en los intermezzos que comparte con la batería de Andy Ward. Hacia el final de la pieza, sin embargo, la flauta de Latimer abandona su parsimonia, se vuelve saltarina y alterna piruetas con el órgano de Peter Bardens, quien figura, igualmente, como el principal compositor de este material discográfico.
El tercer track, Nimrodel/The Procession/The White Rider, consiste en una épica composición que rebasa los nueve minutos. El tríptico musical está basado, según Latimer, su propio autor, en algunos pasajes de El Señor de los Anillos. La paleta de colores, en efecto, incluye tonos azulados que tiran al gris. Comenzando el primer movimiento, Nimrodel, con sonidos urbanos que recuerdan los de un desfile con banda y trompetas, para súbitamente caer en el segundo movimiento, The Procession, mismo que infunde sensaciones mucho muy distintas. En éste, la atmósfera del primer minuto y medio es la de un paisaje solitario, quizá desértico. No obstante, una vez que uno se recuesta a disfrutar del acompasado galope del camello, el ataque instrumental de The White Rider arremete con renovada intensidad. Levantarse aquí, pues, no es sólo despertar, sino volver a la vida.
De este mismo talante es el track 4, Earthrise, donde la velocidad en el rasgueo de la guitarra, así como el incesante sincopeo en la batería, remite, por momentos, al funk más prominente.
El sonido de Lady Fantasy, quinta y última pieza del álbum, apuntala al tiempo que sumariza lo gestado en los tracks que le preceden. Se trata, nuevamente, de una pieza dividida en tres movimientos. La transferencia entre uno y otro, sin embargo, no es tan evidente como en Nimrodel… En Lady Fantasy podemos escuchar algunos de los momentos más pesados en lo que a ejecución instrumental se refiere. Pesadez que en ningún momento lidia con el virtuosismo. Guitarras de baja distorsión acompañadas por el órgano que zumba en vaivenes hipnóticos. La batería transcurre en ritmos de un rock acelerado y combatiente. El clímax se concreta en el último par de minutos, donde el ascenso progresivo llega a la cúspide. Estamos, ahora, en la cresta de la imponente duna. Esa misma montaña arenosa que trece minutos antes, al comienzo de este finísimo desplante musical, nos ilusionaba porque parecía interminable. Ahí, finalmente hay un descanso. Latimer vuelve con esa voz grave y pacífica. Sólo han pasado 37 minutos y el cuerpo parece estar listo para volver a empezar el juego favorito del que escucha a Camel: el de la ensoñación.
Sin duda, 24 años después entiendo cabalmente la pasión y la euforia de mi anónimo amigo por esta banda.
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Re: Tu disco del día
por CRIMSON CASLA 11/12/12, 09:08 pm
[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]FRANK ZAPPA escribió:DE ESCUCHA IMPRESCINDIBLE CUANDO VAN CON DESCRIPCIÓN[u]
La primera vez que escuché a Camel habrá sido por ahí de 1986. Recuerdo que un efímero amigo, de cuyo nombre ya no tengo registro en mi memoria, me colocó sus infaltables audífonos sobre la cabeza y me pidió encarecidamente que me deleitara con los sonidos que surgían de su walkman. Era tal su euforia que intenté concentrarme en aquello. Creo que le dije que me gustaba, aunque poco pude escuchar como para realmente compartir la pasión con la que él se entregaba a esta banda londinense. Creo que me prestó un par de cintas, también creo que nunca las escuché, al menos no como él quería. No me entregué a ellas como solía hacerlo, de manera natural, con los acetatos de Pink Floyd que mi padre tuvo a bien siempre dejar a la mano.
Después no volví a ver a mi amigo. Una lástima, pues era un buen tipo. Camel, asimismo, quedó enterrado. Sin embargo, hará unos cinco años, con el boom de las descargas gratuitas en internet, al internarme un poco en bosques y desiertos de rock progresivo, una de las primeras referencias que saltaron a mi encuentro fue precisamente la de esta banda con nombre de cuadrúpedo jorobado.
Conformada en 1971, Camel ha gozado, desde su formación, mucho más de prestigio que de éxito comercial. Esto originado, quizá, por la férrea competencia con sus titanes contemporáneos: Pink Floyd, Yes, King Crimson, Genesis, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, todos célebres y todos de origen británico!
Con 14 álbumes de larga duración y una gran cantidad de cambios y recambios de sus integrantes, los de Camel han ido escribiendo una etapa no sólo prolífica, pero también cualitativamente buena en la historia del rock progresivo. Mucho de esto se le debe al multiinstrumentalista Andrew Latimer, quien es el único integrante que ha permanecido ininterrumpidamente con la banda desde principios de los años setenta. Latimer es un virtuoso de la composición musical.
A través de un estupendo bagaje melódico, Camel ha adquirido un sello propio que es difícil confundir una vez que se han escuchado algunos de sus trabajos de larga duración. El disco Mirage (1974), por ejemplo, está plagado de cambios armónicos, donde los instrumentos van adquiriendo protagonismo por turnos. Me explico: si de pronto se escucha un solo de guitarra que asciende y desciende con una plasticidad virtuosa, inmediatamente después y sin previo aviso, uno puede distinguir que es ahora el órgano el que ha usurpado el plano principal en la palestra. Tal es el caso del primer track, no en vano titulado Freefall (caída libre), donde las melodías revolotean con libertad, al tiempo que Latimer las acompaña con un incisivo puntilleo vocal. Tras escuchar este torbellino de sonidos, queda la impresión de haber testificado una batalla musical; una, por supuesto, que uno no hubiese querido abandonar.
Para el segundo track, Supertwister, el cuarteto británico se ha guardado sonidos menos explícitos, acaso más misteriosos por pausados. El coqueteo jazzístico salta al oído. La batuta, en esta ocasión, la lleva la flauta. El sonido del instrumento de viento se mece alegre en los intermezzos que comparte con la batería de Andy Ward. Hacia el final de la pieza, sin embargo, la flauta de Latimer abandona su parsimonia, se vuelve saltarina y alterna piruetas con el órgano de Peter Bardens, quien figura, igualmente, como el principal compositor de este material discográfico.
El tercer track, Nimrodel/The Procession/The White Rider, consiste en una épica composición que rebasa los nueve minutos. El tríptico musical está basado, según Latimer, su propio autor, en algunos pasajes de El Señor de los Anillos. La paleta de colores, en efecto, incluye tonos azulados que tiran al gris. Comenzando el primer movimiento, Nimrodel, con sonidos urbanos que recuerdan los de un desfile con banda y trompetas, para súbitamente caer en el segundo movimiento, The Procession, mismo que infunde sensaciones mucho muy distintas. En éste, la atmósfera del primer minuto y medio es la de un paisaje solitario, quizá desértico. No obstante, una vez que uno se recuesta a disfrutar del acompasado galope del camello, el ataque instrumental de The White Rider arremete con renovada intensidad. Levantarse aquí, pues, no es sólo despertar, sino volver a la vida.
De este mismo talante es el track 4, Earthrise, donde la velocidad en el rasgueo de la guitarra, así como el incesante sincopeo en la batería, remite, por momentos, al funk más prominente.
El sonido de Lady Fantasy, quinta y última pieza del álbum, apuntala al tiempo que sumariza lo gestado en los tracks que le preceden. Se trata, nuevamente, de una pieza dividida en tres movimientos. La transferencia entre uno y otro, sin embargo, no es tan evidente como en Nimrodel… En Lady Fantasy podemos escuchar algunos de los momentos más pesados en lo que a ejecución instrumental se refiere. Pesadez que en ningún momento lidia con el virtuosismo. Guitarras de baja distorsión acompañadas por el órgano que zumba en vaivenes hipnóticos. La batería transcurre en ritmos de un rock acelerado y combatiente. El clímax se concreta en el último par de minutos, donde el ascenso progresivo llega a la cúspide. Estamos, ahora, en la cresta de la imponente duna. Esa misma montaña arenosa que trece minutos antes, al comienzo de este finísimo desplante musical, nos ilusionaba porque parecía interminable. Ahí, finalmente hay un descanso. Latimer vuelve con esa voz grave y pacífica. Sólo han pasado 37 minutos y el cuerpo parece estar listo para volver a empezar el juego favorito del que escucha a Camel: el de la ensoñación.
Sin duda, 24 años después entiendo cabalmente la pasión y la euforia de mi anónimo amigo por esta banda.
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 13/12/12, 07:12 pm
Casi tan imborrables en la memoria colectiva como aquella pintada en el subterraneo de Londres, el famoso grafiti de 'Clapton is God', permanecen los riffs que Eric Clapton logró en su etapa Cream. Por aquel entonces la banda ya era lo más grande que se podía escuchar sobre un escenario y en este disco, casi de despedida, querían demostrarlo.
Cream ya era un supergrupo con básicamente los mejores músicos posibles a sus respectivos instrumentos, porque el virtuosismo a la guitarra de Clapton es fácilmente reconocible, pero también Jack Bruce consiguió su sueño de ser el bajista mas aterrador y ruidoso del globo, al igual que Ginger Baker, el cual ya era un reconocido músico de jazz, se ganó su respectivo titulo de campeón en la batería. La corta carrera del grupo se debe a esto, su bendición y maldición a la vez. Un grupo rebosante de talento, pero lleno de luchas de egos.
Aunque ya venían de dar al mundo el enorme 'Disraeli Gears', ellos sabían que su poder real se basaba en el directo. Solo Jimi Hendrix y algún otro loco se habían atrevido a plasmar realmente el poder de los conciertos en un álbum, llenarlo de solos de guitarra y pasajes instrumentales, siendo imposible radiarlos y haciendo canciones de una duración muy alta. Grupos como Yardbirds o Cream vivían encorsetados bajo las discográficas (y la temprana edad del rock & roll) y sus discos nunca eran tan salvajes como el grupo realmente sí era.
En esto les ayudaba muchísimo el ser un grupo con unas bases muy fuertes en el jazz, pese a ser unos bluseros después de todo. Sus actuaciones se basaban en larguísimas improvisaciones de todos los miembros, sin longitud exacta nunca, respetando los tiempos de cada uno y viviendo en continuas jams jazzísticas que te llevaban al éxtasis.
En el primer disco encontramos una continuación de lo que había sido su blues psicodelico, con clásicos como ''White Room'' y su reconocible riff. Durante las dos caras nos encontramos un LP mucho más blusero que sus otros trabajos, lleno de matices lisergicos y dejándose llevar totalmente. Y a partir del segundo vinilo es donde se rompen las cadenas por fin y nos presentan cuatro temas en directo (dos de ellos se van de los 15 minutos) donde estalla la locura. Típico momento de poner el volumen al máximo y simplemente transportarte al Fillmore West.
''WHEELS OF FIRE'' (1968)
Cream ya era un supergrupo con básicamente los mejores músicos posibles a sus respectivos instrumentos, porque el virtuosismo a la guitarra de Clapton es fácilmente reconocible, pero también Jack Bruce consiguió su sueño de ser el bajista mas aterrador y ruidoso del globo, al igual que Ginger Baker, el cual ya era un reconocido músico de jazz, se ganó su respectivo titulo de campeón en la batería. La corta carrera del grupo se debe a esto, su bendición y maldición a la vez. Un grupo rebosante de talento, pero lleno de luchas de egos.
Aunque ya venían de dar al mundo el enorme 'Disraeli Gears', ellos sabían que su poder real se basaba en el directo. Solo Jimi Hendrix y algún otro loco se habían atrevido a plasmar realmente el poder de los conciertos en un álbum, llenarlo de solos de guitarra y pasajes instrumentales, siendo imposible radiarlos y haciendo canciones de una duración muy alta. Grupos como Yardbirds o Cream vivían encorsetados bajo las discográficas (y la temprana edad del rock & roll) y sus discos nunca eran tan salvajes como el grupo realmente sí era.
En esto les ayudaba muchísimo el ser un grupo con unas bases muy fuertes en el jazz, pese a ser unos bluseros después de todo. Sus actuaciones se basaban en larguísimas improvisaciones de todos los miembros, sin longitud exacta nunca, respetando los tiempos de cada uno y viviendo en continuas jams jazzísticas que te llevaban al éxtasis.
En el primer disco encontramos una continuación de lo que había sido su blues psicodelico, con clásicos como ''White Room'' y su reconocible riff. Durante las dos caras nos encontramos un LP mucho más blusero que sus otros trabajos, lleno de matices lisergicos y dejándose llevar totalmente. Y a partir del segundo vinilo es donde se rompen las cadenas por fin y nos presentan cuatro temas en directo (dos de ellos se van de los 15 minutos) donde estalla la locura. Típico momento de poner el volumen al máximo y simplemente transportarte al Fillmore West.
''WHEELS OF FIRE'' (1968)
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Re: Tu disco del día
por Juan Vaughan 13/12/12, 09:56 pm
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 13/12/12, 11:15 pm
Para todos los Paul fans...
sobre todo para el amigo Juan ''Pipi'' Vaughan.
sobre todo para el amigo Juan ''Pipi'' Vaughan.
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Re: Tu disco del día
por CRIMSON CASLA 14/12/12, 03:39 am
"Space Ritual Alive in Liverpool and London" (1973) - Hawkwind. ¿Alguien imagina al líder de Motorhead, el durísimo metálico Lemmy Kilmister, tocando el bajo y cantando en una banda de rock espacial y psicodélico de los '70? 
Bueno, no investiguen más porque eso ocurrió. Hawkwind es una mítica agrupación británica que todavía se mantiene en pie, aunque a través de toda su larga historia varió constantemente de formación. La atmósfera alucinógena y psicodélica de su música emanaba de sus estrambóticas letras que siempre trataban temas referidos a la ciencia ficción y al espacio por influencia directa de su letrista Michael Moorcock. El núcleo fundador del grupo lo integraban el guitarrista y cantante Dave Brock (el único de sus miembros fundadores que permanece hasta la actualidad) y Mike Slattery, también guitarrista y luego remplazado por Richard Hugh Lloyd-Langton, quienes junto a John Harrison en bajo y Terry Ollis en batería constituyeron la formación original que grabó los primeros discos de la banda. Un tiempo más tarde y ya con dos álbumes editados, Hawkwind sufriría la primera de una de sus tantas restructuraciones e ingresarían el flautista y saxofonista Nick Turner, el tecladista Dik Davies, el baterista Simon King y finalmente el antes citado Lemmy en bajo y voz. Esta fue la alineación más exitosa de la banda, de cuya época dorada se destaca el clásico "Silver Machine" que hace unos días subí al foro. El disco que hoy les traigo fue grabado durante la gira del año 1972 y originalmente se editó como álbum doble, pero hace poco se relanzó en versión DVD+2CDs. En este registro en vivo queda plasmada toda la lisergia sonora que caracterizaba a esta comunidad de lunáticos espaciales, amantes del consumo a granel de sustancias prohibidas por la ley. Dos datos más: en sus actuaciones solía participar una bailarina esotérica llamada Stacia Blake, que tenía por costumbre entrar en trance hipnótico mientras ensayaba en bolas y a pura pechuga intergaláctica sobre el escenario su rutina del "Space Ritual"... [Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen] Al respecto, abajo subo una colección de fotos de la dama en cuestión en plena faena y una que da cuenta de su actual estado, hoy día hecha una señora mayor dedicada por completo a la pintura... :farao: El otro dato que les quería comentar es que Tim Blake (nada que ver con la ya citada fulana), el encargado del sintetizador en el Gong clásico, también formó parte de Hawkwind unos años más tarde. Su presencia en esta banda es prueba concluyente de que, si bien ambas agrupaciones no tienen un origen común, la locura por el espacio y otras particularidades químicas constituyen algo esencial en sus respectivas delirantes concepciones musicales. A partir de este momento pueden ustedes disfrutar del Ritual Espacial 
o en su defecto huir de manera presurosa y a continuación poner un CD de Tan Bionica...
"Space Ritual" (Parte 1)
"Space Ritual" (Parte 2)
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La Sra. Stacia Blake hoy. No sé ustedes, pero yo todavía le entro en nombre del espacio, los misterios del cosmos y todos los marcianos juntos...[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]
PD: admito que escuchar más de media hora a Hawkwind suele tornarse un tormento espacial alienante. Escúchenlo de a poco...
Bueno, no investiguen más porque eso ocurrió. Hawkwind es una mítica agrupación británica que todavía se mantiene en pie, aunque a través de toda su larga historia varió constantemente de formación. La atmósfera alucinógena y psicodélica de su música emanaba de sus estrambóticas letras que siempre trataban temas referidos a la ciencia ficción y al espacio por influencia directa de su letrista Michael Moorcock. El núcleo fundador del grupo lo integraban el guitarrista y cantante Dave Brock (el único de sus miembros fundadores que permanece hasta la actualidad) y Mike Slattery, también guitarrista y luego remplazado por Richard Hugh Lloyd-Langton, quienes junto a John Harrison en bajo y Terry Ollis en batería constituyeron la formación original que grabó los primeros discos de la banda. Un tiempo más tarde y ya con dos álbumes editados, Hawkwind sufriría la primera de una de sus tantas restructuraciones e ingresarían el flautista y saxofonista Nick Turner, el tecladista Dik Davies, el baterista Simon King y finalmente el antes citado Lemmy en bajo y voz. Esta fue la alineación más exitosa de la banda, de cuya época dorada se destaca el clásico "Silver Machine" que hace unos días subí al foro. El disco que hoy les traigo fue grabado durante la gira del año 1972 y originalmente se editó como álbum doble, pero hace poco se relanzó en versión DVD+2CDs. En este registro en vivo queda plasmada toda la lisergia sonora que caracterizaba a esta comunidad de lunáticos espaciales, amantes del consumo a granel de sustancias prohibidas por la ley. Dos datos más: en sus actuaciones solía participar una bailarina esotérica llamada Stacia Blake, que tenía por costumbre entrar en trance hipnótico mientras ensayaba en bolas y a pura pechuga intergaláctica sobre el escenario su rutina del "Space Ritual"... [Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen] Al respecto, abajo subo una colección de fotos de la dama en cuestión en plena faena y una que da cuenta de su actual estado, hoy día hecha una señora mayor dedicada por completo a la pintura... :farao: El otro dato que les quería comentar es que Tim Blake (nada que ver con la ya citada fulana), el encargado del sintetizador en el Gong clásico, también formó parte de Hawkwind unos años más tarde. Su presencia en esta banda es prueba concluyente de que, si bien ambas agrupaciones no tienen un origen común, la locura por el espacio y otras particularidades químicas constituyen algo esencial en sus respectivas delirantes concepciones musicales. A partir de este momento pueden ustedes disfrutar del Ritual Espacial o en su defecto huir de manera presurosa y a continuación poner un CD de Tan Bionica..."Space Ritual" (Parte 1)
"Space Ritual" (Parte 2)
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La Sra. Stacia Blake hoy. No sé ustedes, pero yo todavía le entro en nombre del espacio, los misterios del cosmos y todos los marcianos juntos...[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]
PD: admito que escuchar más de media hora a Hawkwind suele tornarse un tormento espacial alienante. Escúchenlo de a poco...
Última edición por CRIMSON CASLA el 14/12/12, 05:40 pm, editado 2 veces
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Re: Tu disco del día
por Neal Cassady 14/12/12, 08:01 am
Me llamaron desde las profundidades de Mundo Azulgrana para colaborar con este thread.
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Ana Tijoux es una francochilena cuyos padres tuvieron que abandonar Chile en la dictadura de Pinochet. Fue MC de Makiza, un grupo de rap chileno de fines de los 90's.
El disco que les traigo a ustedes es su segunda entrega. "1977", año en el cual nació Anita aborda el rap de una manera muy sofisticada. No contiene temas violentos, sino que transmite una suavidad perfecta para una noche de verano con letras muy buenas.
Excelente para los que nos conocen el género y buscan algo en español
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Ana Tijoux es una francochilena cuyos padres tuvieron que abandonar Chile en la dictadura de Pinochet. Fue MC de Makiza, un grupo de rap chileno de fines de los 90's.
El disco que les traigo a ustedes es su segunda entrega. "1977", año en el cual nació Anita aborda el rap de una manera muy sofisticada. No contiene temas violentos, sino que transmite una suavidad perfecta para una noche de verano con letras muy buenas.
Excelente para los que nos conocen el género y buscan algo en español
Neal Cassady- Mensajes : 14
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Re: Tu disco del día
por Juan Vaughan 15/12/12, 08:10 pm
Si les gusta el Reggae, les presento a una banda rosarina en la cual toca percusión un amigo mío.
Ganaron un concurso nacional, lo cual los llevo a toca en un concurso sudamericano en Uruguay, y como también lo ganaron, se fueron de viaje a Cerdeña y Valencia a sendos festivales internacionales donde tocaron junto a grandes figuras del género.
Allí salieron elegidos como "banda revelación", lo cual les abrió las puertas para ir a Jamaica (algo así como tocar el cielo con las manos para cualquier amante del Reggae).
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Ganaron un concurso nacional, lo cual los llevo a toca en un concurso sudamericano en Uruguay, y como también lo ganaron, se fueron de viaje a Cerdeña y Valencia a sendos festivales internacionales donde tocaron junto a grandes figuras del género.
Allí salieron elegidos como "banda revelación", lo cual les abrió las puertas para ir a Jamaica (algo así como tocar el cielo con las manos para cualquier amante del Reggae).
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Juan Vaughan- Mensajes : 935
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 16/12/12, 11:58 am
Egocentrismo y egoísmo
nadie mira los discos del prójimo
engolados y orgullosos, sólo resaltan los propios
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Re: Tu disco del día
por CRIMSON CASLA 16/12/12, 04:33 pm
Tranquilo, pibe.FRANK ZAPPA escribió:Egocentrismo y egoísmo
nadie mira los discos del prójimo
engolados y orgullosos, sólo resaltan los propios
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 16/12/12, 04:43 pm
¿No te gustó mi poema?CRIMSON CASLA escribió:Tranquilo, pibe.
PD: no me tomes tan en serio, che...
PD2: ahora en un rato me hago un tiempito para escuchar tu disco.
FRANK ZAPPA- Admin
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Re: Tu disco del día
por CRIMSON CASLA 16/12/12, 04:48 pm
Ah... ¿Era un poema?FRANK ZAPPA escribió:
¿No te gustó mi poema?
PD: no me tomes tan en serio, che... [Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]
PD2: ahora en un rato me hago un tiempito para escuchar tu disco.
Pensé que se trataba de una sentencia de ejecución para los que subimos la música que nos gusta. [Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]PD: ojo, acarrea secuelas irreversibles para la mente humana.
Mejor mirar las fotos de la hippona pechugona. 
CRIMSON CASLA- Admin
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 16/12/12, 04:58 pm
Sí, también.CRIMSON CASLA escribió:Ah... ¿Era un poema?
PD: ojo, acarrea secuelas irreversibles para la mente humana.
PD: cualquier cosa es leve después de haber escuchado los sonidos hipnóticos de Fripp & Eno.
FRANK ZAPPA- Admin
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 16/12/12, 11:24 pm
Disquito para enamorados/depre-nostálgicos...
...para disfrutar con un vinito y un cigarro.
Oportunamente con una ''señorita'', diría mi amigo.
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PD: somos especie en extinción.
...para disfrutar con un vinito y un cigarro.
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PD: somos especie en extinción.
FRANK ZAPPA- Admin
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Re: Tu disco del día
por Juan Vaughan 16/12/12, 11:38 pm
FRANK ZAPPA escribió:Disquito para enamorados/depre-nostálgicos...
...para disfrutar con un vinito y un cigarro.
Oportunamente con una ''señorita'', diría mi amigo.
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PD: somos especie en extinción.
como lo banco señor !!
Juan Vaughan- Mensajes : 935
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Re: Tu disco del día
por Te siento mucho 18/12/12, 12:48 pm
DISCAZO!
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1."Templo de Momo(00:01)
2."Morta.com" (3:24)
3."La murga de los renegados" (6:40)
4."Dr. Saturno" (11:27)
5."Murga de la virgencita" (16:49)
6."Pool, Averna y Papusa" (21:30)
7."Murga Purga" (26:30)
8."Sheriff" (29:35)
9."Pensando como una acelga" (35:14)
10."Una piba con la remera de Greenpeace" (39:53)
11."Rato Molhado" (43:34)
Momo Sampler es el noveno y último álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, lanzado en el año 2000. Sigue la línea de su antecesor, en donde la banda busca nuevos sonidos y formas para sus temas. Aparte de la influencia electrónica, también se reconocen vestigios de música celta, cuerdas y ritmos que recuerdan a las murgas. El álbum fue grabado íntegramente por el Indio Solari y Skay Beilinson, con la ayuda de Hernan Aramberri. El resto de la banda apenas participó de las grabaciones en el estudio, las cuales fueron en los primeros días en estudios Panda, después en Luzbola y Masterizacion fue en New York. El álbum fue presentado en el Estadio Centenario de Montevideo, Uruguay los dias 22 y 23 de Abril de 2001, al mes siguiente los redondos darían su ultima aparición en vivo en el estadio Chateau Carreras de Cordoba, Argentina.
Te siento mucho- Mensajes : 714
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Re: Tu disco del día
por FRANK ZAPPA 22/12/12, 10:48 pm
OVER-NITE SENSATION, DEDICADO AL 2013 [Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]
En 1973, Frank Zappa -ya con una dilatada carrera a sus espaldas- decide recuperar a sus Mothers para la grabación de esta obra crucial en su discografía. “The Mothers Of Invention” fue la banda de Los Ángeles donde Frank ingresó a mediados de los sesenta, haciéndose rápidamente con el liderazgo y publicando discos sin parar. “Freak Out” (1966), es el primer álbum que graban juntos, un disco sin precedentes en la historia del rock, de variados estilos y siendo el primer doble álbum de la historia, con temas tan recordados como el “Trouble Every Day”, habitual en buena parte sus inolvidables conciertos en directo a lo largo de su trayectoria.
Tras infinidad de cambios durante los sesenta y principios de los setenta, una serie de discos fundamentales y el interminable desfilar de músicos de una intachable calidad, los “Mothers” para la grabación de este “Over-nite Sensation”, contaron con un elenco de reputados instrumentistas afines a Frank Zappa, con los que le gustaba tocar.
Compuesto por siete cortes, con letras hilarantes en tono humorístico tratando temas como el sexo y la crítica social del momento, contiene algunas de las canciones más recordadas como “Camarillo Brillo”, un tema tranquilo e incluso triste pero muy bello, “Dirty Love”, otro gran clásico del álbum, “Fifty-Fifty” con el antológico solo de Ponty al violín, “Montana” una de nuestras preferidas y sobre todo por su final, “Zomby Woof” con un excelente punteo de Zappa a la guitarra. El resto son “Dinah-Moe Humm”, “Eat That question” y “I´m The Slime” otra soberbia canción que posee un apoteósico “solo” en su terminación.
Con buenas secciones de vientos, utilizando trombones, clarinetes, trompetas y saxos que iban a cargo de músicos muy versátiles como Sal Márquez, Ian Underwood y Bruce Fowler, una buena percusión de la mano de Ruth Underwood, maravillosa también al vibráfono, unos teclados soberbios de un inspirado George Duke y una estrella invitada de altura, el increíble violinista Jean – Luc Ponty, nos transmiten una vistosidad musical diferente y única en el mundo del Rock.
La base rítmica perfecta, a cargo de Ralph Humphrey a la batería y Tom Fowler al bajo, el coro de Ike and Tina Turner llamado las Ikettes, (que como curiosidad no figura en los créditos) y dos vocalistas Rick Lancelotti, (que como Zappa decía en “The Lost Episodes”: tenía una cinta que imitaba cien voces de dibujos animados en sesenta segundos) y Kim Vassy, interpretando algunas de las canciones del disco y como no, el virtuosismo a la guitarra del propio Frank Zappa, junto a su profunda y característica voz, que después de un desafortunado accidente en el escenario, perdió varios tonos por una lesión en su laringe, son el resto de estos “Mothers”, que podían representar de una manera monumental fases orquestales, jazz o incluso un estilo Funky reflejados en algunos cortes de este legendario álbum.
La impresionante portada del disco fue diseño de un habitual Cal Shenkel, con unas ilustraciones fantásticas por parte de David McMacken, en dónde recrea una habitación desordenada llena de restos, sucia y como si fuera un cuadro de época, con una curiosísima moldura y un amplio abanico de interesantes detalles por descubrir.
Describir la música de un genio de esta magnitud dentro de la imaginería rock resulta tremendamente difícil, puesto que la extensísima obra de este polifacético artista, compositor, guitarrista, productor e incluso director de cine y de videoclips, dio, da y dará multitud de puntos de vista diferentes.
Frank Zappa es a la música lo que Salvador Dalí fue a la pintura, aparte de ser un profeta y uno de los iconos más representativos en el universo del Rock.
NI OLVIDO NI PERDÓN, 2012. GRACIAS POR LA VUELTA PERO ANDATE Y NO VUELVAS MÁS. :x
En 1973, Frank Zappa -ya con una dilatada carrera a sus espaldas- decide recuperar a sus Mothers para la grabación de esta obra crucial en su discografía. “The Mothers Of Invention” fue la banda de Los Ángeles donde Frank ingresó a mediados de los sesenta, haciéndose rápidamente con el liderazgo y publicando discos sin parar. “Freak Out” (1966), es el primer álbum que graban juntos, un disco sin precedentes en la historia del rock, de variados estilos y siendo el primer doble álbum de la historia, con temas tan recordados como el “Trouble Every Day”, habitual en buena parte sus inolvidables conciertos en directo a lo largo de su trayectoria.
Tras infinidad de cambios durante los sesenta y principios de los setenta, una serie de discos fundamentales y el interminable desfilar de músicos de una intachable calidad, los “Mothers” para la grabación de este “Over-nite Sensation”, contaron con un elenco de reputados instrumentistas afines a Frank Zappa, con los que le gustaba tocar.
Compuesto por siete cortes, con letras hilarantes en tono humorístico tratando temas como el sexo y la crítica social del momento, contiene algunas de las canciones más recordadas como “Camarillo Brillo”, un tema tranquilo e incluso triste pero muy bello, “Dirty Love”, otro gran clásico del álbum, “Fifty-Fifty” con el antológico solo de Ponty al violín, “Montana” una de nuestras preferidas y sobre todo por su final, “Zomby Woof” con un excelente punteo de Zappa a la guitarra. El resto son “Dinah-Moe Humm”, “Eat That question” y “I´m The Slime” otra soberbia canción que posee un apoteósico “solo” en su terminación.
Con buenas secciones de vientos, utilizando trombones, clarinetes, trompetas y saxos que iban a cargo de músicos muy versátiles como Sal Márquez, Ian Underwood y Bruce Fowler, una buena percusión de la mano de Ruth Underwood, maravillosa también al vibráfono, unos teclados soberbios de un inspirado George Duke y una estrella invitada de altura, el increíble violinista Jean – Luc Ponty, nos transmiten una vistosidad musical diferente y única en el mundo del Rock.
La base rítmica perfecta, a cargo de Ralph Humphrey a la batería y Tom Fowler al bajo, el coro de Ike and Tina Turner llamado las Ikettes, (que como curiosidad no figura en los créditos) y dos vocalistas Rick Lancelotti, (que como Zappa decía en “The Lost Episodes”: tenía una cinta que imitaba cien voces de dibujos animados en sesenta segundos) y Kim Vassy, interpretando algunas de las canciones del disco y como no, el virtuosismo a la guitarra del propio Frank Zappa, junto a su profunda y característica voz, que después de un desafortunado accidente en el escenario, perdió varios tonos por una lesión en su laringe, son el resto de estos “Mothers”, que podían representar de una manera monumental fases orquestales, jazz o incluso un estilo Funky reflejados en algunos cortes de este legendario álbum.
La impresionante portada del disco fue diseño de un habitual Cal Shenkel, con unas ilustraciones fantásticas por parte de David McMacken, en dónde recrea una habitación desordenada llena de restos, sucia y como si fuera un cuadro de época, con una curiosísima moldura y un amplio abanico de interesantes detalles por descubrir.
Describir la música de un genio de esta magnitud dentro de la imaginería rock resulta tremendamente difícil, puesto que la extensísima obra de este polifacético artista, compositor, guitarrista, productor e incluso director de cine y de videoclips, dio, da y dará multitud de puntos de vista diferentes.
Frank Zappa es a la música lo que Salvador Dalí fue a la pintura, aparte de ser un profeta y uno de los iconos más representativos en el universo del Rock.
NI OLVIDO NI PERDÓN, 2012. GRACIAS POR LA VUELTA PERO ANDATE Y NO VUELVAS MÁS. :x
Última edición por FRANK ZAPPA el 23/12/12, 12:16 am, editado 1 vez
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Re: Tu disco del día
por DN.Zep 22/12/12, 11:34 pm
FRANK ZAPPA escribió:Disquito para enamorados/depre-nostálgicos...
...para disfrutar con un vinito y un cigarro.
Oportunamente con una ''señorita'', diría mi amigo.
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PD: somos especie en extinción.
Muy bueno este disco
En un rato me escucho el de Zappa.
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